Se vuoi conoscere alcuni dei fotografi contemporanei più famosi del mondo, sei sul post giusto.

Già, perché in questo articolo presenterò 6 importanti fotografi che hanno catturato momenti che saranno ricordati per generazioni e generazioni.

Prima, però, voglio fare una piccola premessa…

Negli ultimi decenni, infatti, il mezzo fotografico è stato ridefinito e plasmato da nuove tecnologie emergenti e formati nuovi e innovativi.

Forse il cambiamento più importante in relazione a questo è stata la comparsa della fotografia a colori, che ha un equivalente più vicino alla realtà stessa.

Al giorno d’oggi, invece, abbiamo subìto un altro cambiamento cruciale nella fotografia creativa, con la manipolazione e con lo sviluppo digitale.

I fotografi contemporanei usano spesso queste innovazioni per presentare nuove prospettive su soggetti e composizioni tradizionali.

Detto questo, c’è da fare un appunto: la parola CONTEMPORANEO si riferisce a tutto ciò che è accaduto dagli anni ’70 in poi. La Fotografia contemporanea, quindi, non è un genere ma un punto fermo nella storia della Fotografia.

I fotografi contemporanei sono solitamente legati al mondo delle belle arti e, come suggerito dalla Scuola di Düsseldorf e dalla Scuola di Helsinki, avere una solida affermazione come artista è stato fondamentale nel lavoro di molti fotografi contemporanei.

Bene, fatta questa doverosa premessa, possiamo partire con il nostro articolo che ti presenterà 7 famosi fotografi contemporanei e le loro splendide opere.

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I GRANDI FOTOGRAFI

• 6 famosi fotografi contemporanei e le loro opere
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6 FAMOSI FOTOGRAFI CONTEMPORANEI
E LE LORO OPERE

1) ANDREAS GURSKY (1955)

Oltre ad essere noto per le sue vendite stratosferiche e per aver raggiunto alcuni record nel mondo della fotografia artistica, Andreas Gursky è un fotografo che riesce a catturare il mondo moderno in una forma intrigante. 

I suoi scatti, infatti, ritraggono luoghi comuni che in realtà NON esistono.

Nel mio lavoro, non noti mai dettagli arbitrari. Sul piano formale si intrecciano innumerevoli micro e macrostrutture interconnesse, determinate da un principio organizzativo complessivo.

Andreas Gursky

E sai come?

Attraverso la manipolazione digitale, ovviamente.

Gursky riprende luoghi comuni per ottenere un’estetica personale o una nuova visione di questi luoghi. L’autore dice di farlo perché pensa che alcuni elementi all’interno di questi luoghi comuni, semplicemente, lo infastidiscano.

Non tutte le sue immagini hanno lo stesso formato gigantesco e lo stesso punto di vista dall’alto, ma sono comunque considerate parte del suo stile iconico.

Ad essere sinceri, quando l’ho scoperto, non ho capito molto del suo lavoro, ma dopo averlo studiato approfonditamente, ho finito per sviluppare un grande fascino per la sua opera.

Andreas Gursky ha studiato comunicazione visiva alla Folkwang Universität der Künste di Essen, in Germania, dal 1977 al 1980. Ha poi continuato i suoi studi alla Kunstakademie di Düsseldorf, dove è stato uno studente della masterclass di Bernd e Hilla Becher, il duo di artisti noto per la loro serie di fotografie di strutture industriali. 

Mentre i Becher usavano uno stile documentaristico standardizzato per sottolineare la comunanza insita nella variazione, gli studi di Gursky lo hanno spinto ad espandere l’idea del documento fotografico, utilizzando la manipolazione e il montaggio digitale per registrare scene, momenti ed eventi specifici.

Le sue opere dei primi anni ’90 ritraggono fabbriche, borse, aeroporti, campi da golf, autostrade ed edifici, spesso da punti di vista aerei che rivelano i modelli di folle e infrastrutture.

All’inizio degli anni 2000 Gursky inizia ad organizzare i suoi montaggi fotografici secondo alcuni schemi classici di rappresentazione.

Le fotografie di Pyongyang (2007), in particolare, che mostrano delle folle colorate e caleidoscopiche di artisti nella Corea del Nord, ricordano i metodi compositivi usati durante il Rinascimento.

Oltre al suo lavoro incentrato sui fenomeni sociali, l’intrattenimento e l’urbanistica, Gursky è interessato a catturare le realtà del pianeta, spesso restringendo gli specchi d’acqua, dal Reno in Germania al Chao Phraya in Tailandia.

La serie Bangkok, del 2011, raffigura la superficie tremolante, spesso disseminata, di questo fiume che scorre veloce e a distanza ravvicinata.

Per Ocean (2010), invece, Gursky ha utilizzato la fotografia satellitare ad alta definizione per generare le proprie interpretazioni del mare e della terra, costruendo delle scene di distese oceaniche con coste visibili ai bordi estremi delle immagini.

Dalle minacce ambientali alle folle crescenti e allo sviluppo infrastrutturale, le fotografie di Gursky catturano gli estremi del momento presente.

Leggi anche:

• Andreas Gursky: quello che mi ha insegnato sulla fotografia

LIBRI DI ANDREAS GURSKY:

2) CHRIS McCAW (1971)

Chris McCaw è un fotografo americano che fa invece un genere di fotografia completamente diverso. Il suo unico obiettivo è quello di stampare i risultati finali con la tecnica di stampa denominata al platino palladio.

La stampa al platino-palladio è una tecnica di incisione fotografica tradizionale che risale ad un periodo della storia della fotografia che precede le stampe alla gelatina d’argento.

Le stampe sono quindi esposte alla luce UV dopo essere state originariamente esposte al sole.

Le stampe vengono create mediante la stampa a contatto, il che significa che il negativo fotografico deve essere grande quanto la stampa finale. Questo ha limitato i fotografi di fine art fino all’era digitale, dove ora possiamo creare quelli che sono noti come negativi digitali.

Questi negativi possono essere stampati in quasi tutte le dimensioni e possono essere utilizzati per creare delle stampe in platino-palladio larghe fino ad un metro.

Le stampe in platino-palladio non hanno eguali in nessuna tecnica di stampa moderna, sia nell’aspetto che nelle prestazioni. Queste stampe sono quelle preferite dai collezionisti d’arte per la loro longevità e il loro aspetto.

La gamma tonale delle stampe in platino-palladio è ineguagliata, anche dalle moderne stampe digitali a getto d’inchiostro. La tonalità finale del colore può variare dal nero caldo, al bruno rossastro, con una gamma di grigi nei mezzotoni.

Detto questo, torniamo al nostro Chris McCaw…

Amo il lavoro di McCaw perché offre una tecnica davvero unica per catturare lunghe esposizioni di paesaggi e cieli.

 

Ad esempio, il suo lavoro intitolato Sunburn è un’affermazione sia elegante che cruda all’interno della Fotografia Contemporanea. Con Sunburn, l’autore ha spinto i limiti della fotografia analogica.

McCaw, infatti, utilizza enormi macchine fotografiche di grande formato che utilizza per le sue lunghe esposizioni che durano anche 24 ore.

McCaw scatta direttamente anche su carta fotografica scaduta che si solarizza durante l’esposizione e alla fine prende fuoco durante la lunga esposizione a causa dell’effetto dell’ottica durante l’ingrandimento della luce solare.

Il risultato mostra l’evidenza della scia del sole quando è stata impostata l’esposizione.

Una cosa che ha infastidito la fotografia riguardo alla sua accettazione nel mondo delle Belle Arti è che le fotografie possono essere riprodotte diverse volte con il negativo o il file digitale.

Questa critica, con cui io però non sono d’accordo, non è un problema con le immagini di Chris perché ogni scatto è completamente unico.

3) NAN GOLDIN (1953)

Proveniente dalla cosiddetta School of Boston, il lavoro di Nan Goldin è qualcosa che non poteva rimanere al di fuori di questo elenco.

Nan Goldin è un’artista americana a cui è stato attribuito il merito di aver rinnovato la fotografia documentaristica attraverso le sue narrazioni visive della scena della controcultura di New York degli anni ’70 e ’80.

La Goldin è particolarmente nota per il suo lavoro, che di solito presenta temi e personaggi pubblici legati al mondo LGBT.

Influenzata dalla fotografia di moda di Helmut Newton e Guy Bourdin, l’artista ha visto nelle riviste di fotografia un istruttore che l’ha introdotta nel lavoro di altri fotografi d’arte come Diane Arbus, Larry Clark e August Sander.

Uno dei progetti più iconici della Goldin è The Ballad of Sexual Dependency, del 1986. The Ballad è stato il primo libro della Goldin, un punto di riferimento per tutti quei fotografi che credono, come lei, nella narrazione del proprio sé.

Nelle 127 immagini che compongono il volume, osserviamo le relazioni tra uomini e donne che si svolgono nelle camere da letto, nei bar, nelle pensioni e nei bordelli di Boston, di New York, di Berlino e del Messico, i luoghi in cui la Goldin, che ha lasciato la casa a quattordici anni, ha vissuto mentre fotografava la sua vita e quella dei suoi amici.

Le immagini non sono esplorazioni del mondo in bianco e nero, come quelle di Arbus, o scatti composti ad arte, come quelli di Mann.

Quello che interessa alla Goldin sono i gesti e i colori casuali dell’universo del sesso e dei sogni, dei desideri e delle rotture: i rossi e i rosa elettrici, i neri e i blu profondi che sono parte integrante dell’ampiezza operistica di “The Ballad”.

Attualmente la Goldin vive e lavora tra New York, Parigi e Londra.

LIBRI DI NAN GOLDIN:

4) CINDY SHERMAN (1954)

Cynthia Morris Sherman è un’artista peculiare e fotografa donna che è anche una delle figure più importanti del dopoguerra, con il suo lavoro esposto al Museum of Modern Art per oltre tre decenni.

La Sherman è meglio conosciuta per aver personificato gli stereotipi classici dei film noir e del cinema europeo in quelli che sono noti come i film d’autore degli anni ’50 e ’60.

Il suo lavoro più famoso è Untitled Film Stills, prodotto dal 1977 al 1980, che comprende una serie di 69 immagini in cui mette in scena i cliché femminili della cultura pop del XX° secolo. Il suo doppio ruolo costante di soggetto e spettatore è una prova lampante della sua dichiarazione artistica e della sua coscienza.

Quando si pensa a Untitled Film Stills, vengono subito in mente alcuni alcuni aspetti del suo intero corpus di opere: travestimento e teatralità, mistero e voyeurismo, malinconia e vulnerabilità. 

L’artista iniziò questa serie di fotografie nel suo appartamento, usando il proprio interno come ambientazione per le scene. Ben presto, però, spostò la sua macchina fotografica e gli oggetti di scena all’esterno, scattando anche paesaggi urbani e rurali, richiedendo l’assistenza di una seconda persona per scattare la fotografia.

L’artista Robert Longo, con il quale viveva in quel periodo, l’aiutò per un certo periodo, così come suo padre, altri famigliari e amici.

Ogni singola immagine crea una scena distinta.

Untitled Film Still #21, ad esempio, ricorda una scena di uno spettacolo televisivo o di un film obsoleto, con la donna nella foto come protagonista, che indossa un abito vintage degli anni ’50 e sembra affascinata da qualcosa al di fuori dell’inquadratura.

Questo crea suspense: non sapremo mai cosa succede di fronte a questa donna. Rende l’immagine non tanto su ciò che sta accadendo all’interno della foto, ma piuttosto su ciò che è accaduto prima e dopo il momento in cui è stata scattata.

Questo elemento narrativo è caratteristico di Untitled Film Stills. Le scene sono riconoscibili come fotogrammi di un film, imitando gli angoli di ripresa, l’illuminazione e la drammatizzazione tipici del cinema, ma non provengono da un film in particolare.

Da quando è diventata famosa come artista alla fine degli anni ’70, la Sherman ha giocato con la sfuggevolezza dell’identità. In Untitled Film Still, ma anche nelle opere successive, è sempre la stessa Sherman ad essere davanti alla fotocamera.

Eppure queste immagini non sono mai veri autoritratti. La Sherman usa la fotografia come strumento per ingannare ed elude la propria personalità assumendo identità diverse.

Grazie ai suoi abiti vintage, le parrucche e il trucco, l’artista riesce a creare un’intera gamma di personalità. La Sherman ricopre molti ruoli, anche dietro la macchina da presa: fotografa, regista, parrucchiera, scenografa e stilista.

I diversi personaggi che la Sherman descrive sono degli stereotipi; rappresentano cioè una serie di cliché: la ragazza in carriera, la bomba sexy, la studentessa, la signora dell’alta società e così via… tutti i personaggi profondamente radicati nella nostra storia culturale.

Assomigliano ad immagini pubblicitarie realizzate su set cinematografici, adottate da ruoli femminili in riviste, pubblicità e soprattutto film. Tutti i personaggi della Sherman dentro Untitled Film Stills proiettano l’idea costruita dell’immagine femminile, sottolineando l’arbitrarietà degli stereotipi femminili.

LIBRI DI CINDY SHERMAN:

5) JEFF WALL (1946)

Conosciuto sia come artista che come storico dell’arte, Jeff Wall è un fotografo e scrittore canadese il cui lavoro mette in mostra e contesta contemporaneamente alcuni dei presupposti più dominanti sull’arte e sul fare l’arte.

Dalla fine degli anni ’70, Wall ha realizzato fotografie di grandi dimensioni che richiamano le immagini, i soggetti, la costruzione e i metodi di visualizzazione, sia della pubblicità e del cinema della cultura pop, sia dei celebri capolavori della storia dell’arte.

I suoi primi scatti condividono qualità e temi molto amati dall’arte concettuale, così come gli aspetti dell’arte degli anni ’70 e ’80, indagando sugli elementi presunti e richiesti delle belle arti e prendendo in prestito dettagli narrativi e visivi al di fuori dei generi del mondo dell’arte consolidati.

Il lavoro di Jeff Wall ha contribuito anche a definire il cosiddetto fotoconcettualismo. I suoi scatti sono attentamente pianificati come una scena di un film, con il pieno controllo sui dettagli.

Le composizioni delle sue opere sono sempre ben pensate o prese in prestito da pittori classici come Édouard Manet.

Wall ci racconta pure che l’idea di alcune immagini gli vengono durante i suoi innumerevoli viaggi come, ad esempio, quella che gli è venuta durante un viaggio tra la Spagna e Londra, dopo aver visto uno spot pubblicitario montato su un lightbox ad una fermata dell’autobus.

I principali argomenti discussi nelle sue immagini sono sociali e politici, come la violenza urbana, il razzismo, la povertà e i conflitti di genere e di classe. Le sue immagini tendono a mostrare scene comuni e orientate alla quotidianità, ma in realtà sono tutte delle messe in scena.

LIBRI DI JEFF WALL:

6) DIDIER MASSARD (1953)

Didier Massard realizza pochissime immagini all’anno a causa delle mastodontiche manipolazioni ottiche che inserisce al loro interno.

Il suo lavoro è considerato più come pittura fotografica che vera e propria fotografia, grazie anche alla loro illuminazione eterea e a loro romantico senso di illusione.

Lavorare in questo modo conferisce al suo lavoro un ritmo meticoloso e molto lento. Massard, infatti, disegna il suo soggetto in un’immagine scattata in precedenza proprio come la vede nella sua testa. Questo lavoro lo chiama come “il completamente di un viaggio immaginario interiore”.

Vent’anni fa ho iniziato a lavorare nella fotografia di paesaggio tradizionale. C’erano molti posti nel mondo che desideravo visitare e fotografare, ma piano piano mi sono reso conto che non corrispondevano alla mia percezione di essi. La realtà era ben diversa dall’immaginazione. Questa disillusione mi ha ispirato a creare i miei paesaggi interni, costruire diorami e fotografare in studio quello che avevo in mente.

Negli anni ho sviluppato il mio teatro segreto, sempre nello stesso posto, sempre nello stesso spazio. Le scene che creo e fotografo non possono essere individuate su una mappa, ma è essenziale per me che queste finzioni siano in qualche modo reali, e credere e far credere alle persone di essere stato lì. Questa pratica dell’illusione genera un rapporto speciale con gli oggetti e i materiali, poiché cerco costantemente un significato diverso dal loro solito.

Anche se preferisco lavorare con la carta, che è un mezzo versatile e antico, uso assolutamente tutto ciò che si adatta di più al mio scopo: vetro, plexiglas, fogli di alluminio, filo elettrico, tessuto, perle, resina per modellare, cibo, piume, pigmenti , e così via. Cerco di portare raffinatezza nel modo in cui i bambini trasformano un oggetto in qualcos’altro quando giocano. Il mio lavoro ha successo quando raggiunge il confine tra la verità e la menzogna, quando passa dalla realtà al sogno e ritorno”.

Didier Massard

Signore e signori, vi presento Didier Massard.

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Bene, siamo giunti al termine di questo lungo post. Spero davvero che ti abbia ispirato. I fotografi viventi sono davvero tanti ed ognuno di essi ha quel qualcosa che lo contraddistingue dagli altri.

Quelli che ho elencato in questo articolo sono quelli che più amo. Ovviamente sono sempre aperto a conoscere nuovi artisti visuali quindi, se vuoi nominarmi qualcuno, ti prego di parlarne qui sotto nei commenti.

Io ti abbraccio e ti auguro un buon lavoro
Francesco

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